设计是关系到艺术与科学两方面内容的一个特殊的创作领域。作为一门学问，设计学不像医学、化学、工程学等各门类学问那样，具有范围比较集中、独立性极为明显的学术性格。它涉及艺术、科学，以及心理学的领域。设计工作所产生的效果深入于人类社会活动以及文化活动的各个方面。如何综合、提炼，进而发展设计的理论，乃是设计学的主要任务。

艺术家专心于美的创造，追求纯粹之美。我们欣赏一曲美妙的音乐，一件动人的绘画或雕塑，接受到美的要素，会令我们在情感上获得满足，这就是艺术所要追求的目的。因此艺术家在创作过程中不必像设计家那样，需要考虑大量生产设计作品需花费多少成本，是否具备生产的设备条件，以及他的设计产品最终能否给社会生活带来实惠等等。在这一点上，纯粹的艺术与设计存在着明显的差别.

另一方面，只考虑用工程的、机械的技术来改良产品性能，延长其使用寿命等，只满足了人们的某些物质上的需求。然而人类所需要的不像动物那样单纯，不只要求物质的生理的满足，同时需要美的享受。原始彩陶不仅能充当各种实用的容器，同时也有美的价值。原始人类所绘的美妙的装饰图案说明了人需求审美价值的本能。一个工程师一般都不像设计家那样注重物形的外观，因为他并不专门于对造型的研究。而设计师所关心的是一件产品的外观是否给人们以良好的心理感觉，除去机能的考虑之外，只有具有审美价值能给人以良好的身心影响的设计，才会被设计家们确定为成功的设计。

二十世纪现代美术的兴起，给设计美学带来了决定性的影响。现代美术之前人类所走过的漫长的美术史，都在寻找对自然的描绘，依据自然来表现美。而十九世纪照相技术的出现，刺激了艺术家更深刻地思考艺术的内在的方面。前期印象派从光与色的物理科学中发现了自然表象中存在着视觉艺术独自的要素，这首先被彻悟的要素是色彩。我们知道，现代美术最大的特征就是对抽象的冲动、立体派、野兽派、构成派以及未来派的艺术都独具理论，形成流派并以充沛的生命力来开展他们的艺术创作活动。而这些现代艺术流派之所以能够诞生，是因为这些艺术家们能够把造型的以及色彩的绘画基本要素抽象出来进行分析，并对它们的视觉效果进行了理性的研究，从而形成了他们创作中的新的视觉表达方

式。

二十世纪现代美术经过蒙德里安以及阿尔普之手，使几何性的抽象造型达到了最高峰。蒙德里安利用造型中最单纯的形状，垂直线与水平线在画面上做各种各样的分隔，形成无穷变化的方格形式，并用黑、白、灰，红、黄、蓝的原色，置于方格的结构中进行各种面积的搭配，从要素的变化中寻求平衡。蒙德里安的艺术被称之为“纯粹艺术”。换句话说，他在进行这样的发现与创造，把自然的形与色还原为最基本的原素，再利用这些原素进行创造，探寻出视觉艺术内在的、本质的美。除此之外，还产生了以方塔那为代表的平面与立体造型之间的空间派，专心探求裂伤之美，卡尔达尔则以活动雕刻开拓了运动空间，普普艺术歌颂世俗，而以法萨列里为代表的欧普美术则利用视网膜的错觉效果来创造令人迷幻而又神奇的视幻艺术。这些艺术家的共同特点是，他们不再依据自然的形象;而是在抽象的视觉要素所构成的境界中去发现和创造。

抽象美术的新的审美观念，使视觉艺术的内在法则得以揭示，这种抽象性由于摆脱了自然的束缚，使它在美学上极其自然地影响到现代设计的发展，新的充满生命力的设计使当今人类的生存环境大为改观，使我们置身于一个完全现代的文明之中。

从这种意义上看，无论是美术家还是设计家，在对视觉基本要素和规律方面的研究是具有极大的共性的。本书的内容更着重于介绍造型方面的基础理论，这无疑是设计教育的一门重要基础课程。它的作用，将延伸到建筑、绘画、雕塑、工艺、广告宣传、工业造型等各方面领域之中。